Neste duplo autorretrato, o artista pinta-se no próprio ato da representação. Jogo de tempos contrários premeditadamente concretizado entre os dois universos em que se moveu o artista — o do desenho e o da pintura — com reforço evidente do primeiro, uma vez que o retrato pintado é aqui o momento de passagem e o desenho, apurado no rigor e na síntese, a obra final.

Esta é uma obra singular que José Tagarro realizou no final da vida e foi, aliás, prematuramente interrompida. É considerada das mais reveladoras do entendimento que o artista teve da sua própria produção e percurso e um dos mais marcantes autorretratos da arte portuguesa.

Obra fulcral da arte portuguesa da primeira metade do século XX, este trecho de casario dos subúrbios de Paris seria também explorado por Dordio Gomes em gravura e no Autorretrato da Natureza Morta realizado um ano depois. Malakoff é uma localidade nos arredores de Paris, chamada assim em homenagem à vitória dos franceses numa das batalhas da Guerra da Crimeia. O local atraiu inúmeros artistas, como local de residência e como tema.

Nesta pintura, a tensão gerada pela distorção dos volumes e do espaço, como que vistos através de uma lente, provocam a sensação de vertigem e criam uma ambiência inquietante e desoladora. A simplificação das formas, o recurso plástico de colocação estratégica das linhas negras ou o acentuar das arestas revelam a interpretação do artista de uma síntese de influências marcantes da arte europeia deste período, em que predominam Cézanne e o expressionismo alemão.

Testemunho do vanguardismo da produção de Eduardo Viana neste período, o tema desta pintura — um conjunto de pequenas figuras de barro (ocarinas) características de Barcelos e uma boneca de trapos — está completamente a par com o interesse que surgia na primeira metade do século XX pela Europa pelos jogos e elementos de síntese das tradições populares.
Eduardo Viana adquiria habitualmente figurado de barro nos mercados em Barcelos e terá introduzido o tema junto do círculo de artistas que então se constituía em torno dos Delaunay, chegados a Portugal precisamente no Verão de 1915. Veja-se a título de exemplo os inúmeros jouets portugais realizados, desde então, por Sonia Delaunay ou A Russa e o Fígaro de Amadeo de Souza Cardoso.

Esta obra, cujo título original foi Après l’orage, confronta-nos com a desolação de uma mulher velha e pobre, ao encontrar a sua macieira partida pela tempestade. Eminentemente narrativa, a obra integra-nos na cena e envolve-nos no drama pessoal da personagem, suscitando de imediato a nossa empatia.
Talvez um dos raros momentos em que a pintura portuguesa deste período tocou verdadeiramente o registo realista, esta pintura não deixa de evidenciar a extraordinária competência técnica do artista e de nos propor uma estrutura de composição invulgar, em que a figura e a árvore inscrevem-se num imenso primeiro plano, coroado pela faixa estreita do casario distante e pelo céu, ensombrado ainda pelo temporal.

Nesta obra, Henrique Pousão subverte o tema clássico do ciociaro, habitante da região italiana do Lácio, aqui representado como um rapazinho traquina, meio andrajoso, captado não em pose, mas no momento em que precisamente descansa da pose e que, atrevido, esboça ele próprio o retrato de alguém. A ideia do artista improvisado, génio precoce e natural, que aproveita a ausência do pintor para tomar o seu lugar e mostrar a sua obra, na expectativa de incerto acolhimento, são aspetos que funcionam quase como uma projeção da circunstância do artista sobre a do seu modelo e revelam nesta obra uma inesperada dimensão de “manifesto” artístico enviado de Roma pelo jovem pintor aos seus mestres. Pintada em Roma em 1882, foi enviada pelo artista à Academia Portuense de Belas Artes, na remessa de trabalhos do seu segundo ano de aluno pensionista no estrangeiro.

Esta cena de intimidade doméstica é bem definida no título original que o pintor lhe atribuiu quando expôs Entre o almoço e o jantar.
A obra revela um sentido de composição e tratamento da luz de grande qualidade plástica associado a uma rara riqueza narrativa.
Uma novidade inesperada nesta representação é o diálogo entre o interior, onde tudo se passa, numa atmosfera intimista, e a paisagem representada ao fundo, de onde emana a luz intensa que invade o interior em sentido oblíquo e se vê projetada na mancha branca da toalha posta sobre a mesa e na transparência da garrafa. Marques de Oliveira realizou esta pintura em 1884, poucos anos após o regresso do seu pensionato em França e em Itália, entre 1873 e 1879.

Esta prova final de pensionista do Estado em Paris foi enviada pelo pintor à Academia Portuense em 1879. Representa uma paisagem rural em grande formato registada nos arredores de Paris.

A vibração da luz sobre os motivos, as pinceladas rápidas de cores intensas e a representação do espaço em perspetiva de modo não convencional (através de faixas de cor diferenciadas pela textura e empastamento da tinta) expressam a modernidade das estéticas emergentes que Silva Porto captou nos centros artísticos que frequentou e o intenso trabalho que desenvolveu em França e Itália entre 1873 e 1879. Assim se entende o sucesso que o paisagista alcançou no regresso a Portugal e o papel de referência que teve junto das novas gerações.

No contexto das invasões francesas, Domingos Sequeira estabeleceu amizades com oficiais do exército napoleónico, como o Conde de Forbin, oficial e pintor amador. Esta aproximação valeu -lhe a encomenda de uma representação alegórica da ação protetora do general Junot sobre Lisboa. Graças a essa atividade, Sequeira foi visto como colaborador do inimigo ocupante e por isso alvo de perseguições e processos condenatórios de que só a muito custo se reabilitou.

Nesta composição estão representados três grupos de figuras nos primeiros planos, entre as quais se destaca Junot, em traje militar, voltado para uma mulher jovem que representa a cidade de Lisboa, amparada pela Religião e pelo Génio da Nação. À esquerda, os dois homens representam Marte que aniquila Neptuno, simbolizando, respetivamente, a França e a Inglaterra enquanto, no lado oposto, as duas mulheres simbolizam a abundância e a sabedoria, Ceres e Minerva.

Esta cena foi pintada em Londres e apresentada em 1798 na exposição da Royal Academy of Arts. O episódio escolhido pelo pintor reporta-se à História de Inglaterra de David Hume, à Guerra das Duas Rosas entre as Casas de Lencastre e York e especificamente ao momento em que um ladrão aparece a Margarida de Anjou, rainha de Inglaterra, quando esta fugia com o filho para a Escócia. Este é o momento mais emotivo de todo o enredo, reforçado aqui na sua teatralidade pela colocação da heroína à mercê da paisagem monumental, terrífica e indomada.

Datada de 1561, esta pequena obra representa uma figura da corte francesa do século XVI, a princesa Marguerite de Valois (1553-1615), realizada por um dos mais prestigiados pintores franceses da época, François Clouet. Tem sido considerada uma das obras maiores do colecionador João Allen, a par de uma outra pintura com ela relacionada, o Retrato de Henrique II, do mesmo autor e datada de 1559, que se encontra igualmente no MNSR.

A princesa Margarida que teria então oito anos de idade está representada em meio corpo sobre um fundo negro, com o cabelo escuro penteado em finas tranças e decorado com pérolas. O vestido tem uma presença dominante na composição pela exuberância e riqueza do bordado.